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Paul Klee, el músico que pinta

Este artista capta el sentido de los estilos de las vanguardias y entiende que cada uno de ellos representa a cada uno de los elementos de la pintura pero aplica el sentido de composición musical a la composición plástica
Paul Klee, el músico que pinta

Por Mario Rodríguez Guerras

1º.- Introducción

La obra de Klee es la de un hombre con un sentido artístico que, con dotes innegables para la pintura, decidió salir del mundo propio de la música para pasar al arte pictórico en el que se estaban produciendo numerosos cambios. Klee consiguió dominar la técnica del dibujo pero se percataba de que ese arte requería el conocimiento del color que además estaba obteniendo un protagonismo, se estaba conceptualizando, y era un aspecto que no dominaba.

Desde los primeros años del siglo XX empezó a conocer los estilos que se estaban desarrollando, como el expresionismo y el cubismo. También se interesó por el color. Obras con superficies cubiertas de cuadros de colores son ya de esta época de iniciación.

En particular, el puntillismo le resultó de gran utilidad para entender el color. En ese estilo es fácil diferenciar los colores. Podríamos decir que Klee utilizó siempre el puntillismo como un soporte sobre el que construir sus conclusiones.

El viaje a Túnez con August Mac le sirvió para fijar nociones concretas del color. Sus primeros pasos consistieron en utilizar el color para definir la forma, pero pronto consiguió darle independencia y pudo prescindir de las formas y de la figuración. No obstante, había estado con los artistas del expresionismo del Jinete Azul, y en algunas obras, incluso abstractas, se aprecia la influencia de Kandinsky. Aunque debemos decir que este artista era capaz de captar todo tipo de estilos y fácilmente se le pueden asignar influencias muy variadas.

2º.- El soporte

El primer aspecto al que debemos al menos hacer referencia al hablar de las obras de Paul Klee es el soporte pues pocas veces utiliza soportes convencionales. La variedad de soportes era también una cuestión habitual en el arte de las vanguardias pero lo específico de este artista es la confección de una base formada por acumulación de numerosos elementos y de materiales muy distintos que superpone ocultando en gran parte o por completo los que quedan debajo.

3º.- La línea

El segundo aspecto de su obra es el dibujo. Como es sabido, tuvo, inicialmente, influencias de los estilos existentes. Después de ese tiempo de aprendizaje, los dibujos que nos ofrece son esas sorprendentes realizaciones de trazos extraños que dibujan mundos imaginarios en los que no nos muestra un mundo ideal. Las líneas delgadas e imprecisas acentúan la sensación de incomodidad y la ausencia de color y de materia que defina las figuras provoca que sus obras parezcan generalidades sobre la existencia que se insinúan pero no se definen para que el espectador extraiga sus conclusiones sobre su tiempo. Esta presentación, más despiadada que irónica, le define como dadaísta, movimiento al que seguirá recurriendo durante los años veinte, por no decir durante toda su vida pues la característica de Klee parece ser la acumulación de conocimientos sobre la pintura que siempre tiene a su disposición y que nunca abandona al incorporar otros nuevos.

Estas obras son dibujos al óleo y están realizadas por un método de invención propia de trasferencia desde un papel impregnado con óleo al cuadro dibujando las figuras por el dorso del papel. Lo que parece querer presentar con este método es el valor de la materia de la realización. Si ya con el soporte nos lleva a la parte matérica de la obra de arte, con este método parece querer unir la figura representada con la materia de su representación. También realiza otras obras con pintura, como Rayo multicolor, de 1927, en las que se resalta la materia en toda la superficie. Con el soporte hacía referencia a la materia, ahora hace referencia a ella en la obra misma.

Klee realiza otro tipo de obras con dibujo, de espacios trasparentes lo que parece indicar un interés por el estudio del valor de la representación, es decir, por el análisis de la técnica de representación que él, como los cubistas, pretendía estudiar. Tal es el caso de Habitación fantasma con puertas grandes, de 1925. Por su relación con la Bauhaus acabará realizando una obra como Solución "ee" del encargo para el cumpleaños, de 1924, a la cual no llega, como Kandinsky, a partir del color, sino de la línea. También nos ofrece en El conquistador, de 1930 y El saltador, de 1930, una figuración estructurada según principios racionales, los mismos que utiliza para la obra citada anteriormente.

4º.- El color

El tercer aspecto de la obra de Klee son las superficies de color y con ellas entra en el reino del arte abstracto tan anhelado por él. Su interés fue el estudio de los tonos, los contrastes y lo que denominó lo estático y lo dinámico, o los efectos del cambio del claro al oscuro. Pero cuando decimos interés queremos decir necesidad. En su arte abstracto se mantuvo siempre fiel a la partición de las superficies, generalmente en cuadraditos, pero también en franjas. Ese método le permitía controlar el color. Su obra abstracta es una formulación teórica que permite al artista alcanzar un merecido prestigio.

Aunque se ha dicho que Klee hizo pocas obras estrictamente abstractas esto no es del todo exacto. Las obras de Klee poseen una naturaleza muy particular que le diferencia de otros pintores. Ya hemos dicho que en sus dibujos por trasferencia de óleo combina la figura con la materia y en sus obras con superficies de colores también realiza combinaciones, en este caso, de arte abstracto y arte figurativo. Aquellos dibujos al óleo que hemos mencionado son trasparentes para permitir que se trasluzca el fondo. Actúa como en una composición musical, en la que los sonidos de dos instrumentos se perciben simultáneamente. Klee no establece ninguna diferencia entre fondo y superficie, lo que Klee hace es presentar simultáneamente dos estilos, por eso realiza sus obras figurativas con líneas en lugar de con pintura. Pero, si recordamos el matericismo de sus soportes, presenta en una sola obra tres aspectos del arte.

Una obra como Separación vespertina, de 1922, incluye dos flechas que no tienen un sentido abstracto y aunque hacen referencia al movimiento o tensión de las franjas pintadas del fondo, ellas ya no son de por sí fondo de color, sino signo lo cual nos lleva a una arte figurativo, muy esquemático pero nada abstracto. También su obra Ad Parnasum, una de las más interesantes de su abstracción, posee un fondo de arte abstracto y un dibujo trasparente encima de la superficie de color.

5º.- La composición

Paul Klee utiliza en sus cuadros muchos estilos, arte matérico, abstracto y figurativo. Klee procede del mundo de la música y en ese mundo la composición se realiza combinado el bajo, la armonía y la melodía.

Klee conoció los estilos que había en su tiempo e intuyó el significado de cada uno de ellos, asignando, a cada uno de ellos su sentido adecuado, el análisis del color, de la línea y de la composición, así que, con un sentido musical, colocó cada uno de los estilos en un lugar de su obra pero no obró así porque supusiera que de esa forma conseguiría un mejor resultado pictórico, lo hizo porque estaba condicionado, por sus conocimientos sobre la música, para entender la creación artística como combinación de los elementos de composición. Klee había comprendido, quizás antes que nadie, el significado de los nuevos estilos. Lo que le faltó fue comprender fue que los elementos de la música y la pintura se combinan de forma diferente para crear una obra.

Su última obra, conocida como Gran naturaleza muerta, de 1940, es un intento de componer una sinfonía. Las tres zonas diferenciadas son las partituras de cada elemento, una para el color, otra para línea y la última para la figura.

Aunque los principios generadores de toda manifestación sean principios universales, en cada caso concreto, se manifiestan de forma determinada y diferente. Entonces, vemos como la unidad de los elementos de la música se logra en el tiempo, ejecutándose de forma simultánea. En cambio, en la pintura, esa unidad es en el espacio y no sirve entender, como en la música, que la acumulación simultánea de sus componentes producirá la creación de una obra completa y unitaria: En un cuadro no existe el tiempo. En pintura, la combinación de sus elementos debe tener lugar en la figura representada, esto es, en el espacio, y, por ejemplo, la forma y el color deben corresponder a la misma imagen y en el mismo lugar.

Este artista capta el sentido de los estilos de las vanguardias y entiende que cada uno de ellos representa a cada uno de los elementos de la pintura pero aplica el sentido de composición musical a la composición plástica, porque la formación de este artista era musical, suponiendo que la acumulación de elementos del arte plástico generará la representación, como ocurre en la composición musical. En la composición musical, esa acumulación genera la obra pero, en la pintura, la acumulación temporal se debe sustituir por la integración espacial.

 

01-02-2014

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